Las mejores películas clásicas en HBO Max

HBO Max está aquí, y para aquellos que estén ansiosos por volver a visitar Amigos por enésima vez o esperar pacientemente 'El corte de Snyder' de Liga de la Justicia para que realmente exista, esa es una buena noticia. Sin embargo, para los fanáticos del cine de cierto tipo, lo más emocionante del nuevo servicio de transmisión es su acceso a lo que podría decirse que es la colección más rica de clásicos de Hollywood en el mundo.

No desde el muerte innecesaria FilmStruck ¿Ha habido un servicio de streaming con este nivel de densidad de cine clásico? Con acceso a la bóveda de Warner Bros. de Golden Age Hollywood, así como a todos los derechos cinematográficos de MGM anteriores a 1986 que Ted Turner compró en lo que alguna vez fue el estudio más grande de la cuadra, hay una gran variedad a disposición de HBO Max. También en asociación con Criterion Collection, HBO Max es un paraíso para los amantes del cine.

En aras de la claridad, esta lista se centrará principalmente en los clásicos de Hollywood producidos durante la proverbial Edad de Oro (entre las décadas de 1920 y 1960) o el comienzo de New Hollywood durante la década de 1970, que en este momento también parece una edad de oro perdida. todo lo suyo. Así que siéntese mientras le mostramos algunas de las muchas opciones.



Estación espacial en Stanley Kubrick

2001: Una odisea del espacio (1968)

Durante toda su carrera, Stanley Kubrick dijo que quería cambiar la forma en que la gente hacía películas, y lo logró con el asombroso logro de 2001: una odisea espacial . Narrando una epopeya interestelar que comienza con el nacimiento del hombre y termina con un tipo enigmático de primer contacto más allá de una puerta estelar en una de las lunas de Júpiter, 2001 es una fantasía psicodélica de imágenes que todavía persigue a todo su medio. Con una visión que alterna entre la fascinante grandeza a medida que las estaciones espaciales se balancean con el vals de “El Danubio Azul” y el miedo primordial a la obsolescencia tecnológica, personificada por la voz incorpórea de la computadora HAL 9000, esta es una para todas las edades.

Calle 42 (1932)

Calle 42 (1932)

Una película importante en la historia del musical cinematográfico, aunque no necesariamente el mejor ejemplo de una, Calle 42 se le atribuye haber inventado el “musical entre bastidores” y los muchos tropos que pronto se convertirían en clichés durante los próximos 30 años. Este lo tiene todo: un director musical con mala suerte que está arriesgando su propia salud para asegurarse de que nazca una estrella; un cambio de reparto de última hora en la noche del estreno; y la ingenua ingenua que 'está saliendo joven pero está volviendo una estrella'. Sí, esa línea también está ahí. Realmente vale la pena ver el número musical titular de '42nd Street', incluso si el género todavía estaba a algunos años de que Fred y Ginger realmente tuvieran movimientos para hacer estrellas mientras bailaban mejilla con mejilla.

Posiblemente la mayor de las colaboraciones de Spencer Tracy y Katharine Hepburn, Costilla de Adán es la comedia romántica dirigida por George Cukor que mostraba a una pareja de abogados casados ​​que iban a la guerra en la sala del tribunal. No es una comedia loca, la imagen tiene una ventaja tangible con su visión de la engañosa felicidad conyugal que se da vuelta porque el Adam de Spence está atónito porque su esposa Amanda (Hepburn) querría tomar el caso de Doris Attinger (Judy Holliday). Doris es una mujer acusada de intento de asesinato tras dispararle a su marido en el hombro al descubrir que estaba teniendo una aventura. ¿Pero tal vez Adam simplemente está molesto porque está procesando a Doris y ahora tendrá que enfrentarse a su esposa con un juez entre ellos? Sí, la configuración todavía ha mordido 70 años después.

Martin Sheen en Water en Apocalypse Now

Apocalipsis ahora (1979)

Definitivamente una nueva película de Hollywood, Apocalipsis ahora es el sueño febril que padece Francis Ford Coppola después de años en las selvas filipinas mientras perdía lentamente la cabeza. Fue allí para filmar una película de la guerra de Vietnam basada libremente en la de Joseph Conrad. Corazón de la oscuridad —Una idea tramada por John Milius y George Lucas casi 10 años antes cuando la guerra de Vietnam aún estaba en curso, ¡que es donde querían filmar! —Pero regresó con algo más esotérico y resbaladizo que eso. Con imágenes impresionantes de Hueys estadounidenses descendiendo sobre las aldeas de Vietnam del Norte hasta Wagner y Martin Sheen ascendiendo desde un exudado primordial como Lázaro después de un ataque cardíaco (historia real: Martin Sheen tuvo un ataque cardíaco mientras filmaba), esto es cosa de hermosas pesadillas.

Vivien Leigh y Marlon Brando en Un tranvía llamado deseo

Un tranvía llamado deseo (1951)

La adaptación cinematográfica de Elia Kazan de la obra de teatro ganadora del premio Pulitzer de Tennessee Williams sigue siendo una parábola dolorosamente cruda sobre el peligro de confiar en la bondad de los extraños. También se erige como una encrucijada fascinante en el cine de Hollywood, ya que Marlon Brando interpreta al brutal Stanley Kowalski y Vivien Leigh es Blanche Dubois, una anciana Belle del Sur que está en su última cuerda cuando se muda con su hermana / la esposa de Stanley Stella (Kim Hunter). Así, la película protagoniza el rostro de una nueva generación de método que actúa en Brando y el icono cuyo rostro adornaba los carteles del mayor éxito de Hollywood de todos los tiempos. Lo que el viento se llevó . Su actuación educada de la vieja escuela contrasta brillantemente con los latigazos más instintivos de Brando, justo cuando Blanche se encuentra perdida y muriendo lentamente en un mundo que ya no comprende.

Charlton Heston Chariot Race en Ben-Hur

Ben-Hur (1959)

Al director William Wyler le gustaba decir que 'se necesitaba un judío para hacer una buena película sobre Cristo', pero incluso entonces está siendo modesto. Su adaptación de la novela de Lee Wallace de 1880 y la nueva versión de una película muda de 1925 del mismo nombre, permanece. la mejor película jamás hecha sobre la vida y los tiempos de Jesús, aunque nunca vemos el rostro del mesías ni lo escuchamos decir una palabra. Más bien eso es el ruido de fondo de la saga épica de Judah Ben-Hur (Charlton Heston haciendo todo lo posible para personificar una estatua de mármol), un príncipe judío acusado injustamente por su amigo de la infancia romano y condenado a la esclavitud. Lucha para salir de la esclavitud y eleva las alturas del poder y la aclamación romanos, especialmente cuando lidera una carrera de cuadrigas en una de las mejores secuencias de acción jamás filmadas en espectaculares 70 mm. Oh, sí, y al final lo salva un tipo en la cruz o algo así.

Faye Dunaway y Warren Beatty en Bonnie & Clyde

Bonnie y Clyde (1967)

Una de las películas a la que, irónicamente, se le atribuye haber derribado la vieja y sofocante forma de hacer películas durante la 'Edad de Oro', Bonnie y Clyde ahora se erige como uno de los mayores logros de la industria en la década de 1960. Con una verosimilitud fundada que parecía revolucionaria en el 67, la película sigue una descripción muy romántica de los ladrones de bancos Bonnie y Clyde en la vida real, convirtiéndolos en jóvenes héroes populares antisistema perfectos para la generación de Vietnam. Para bien o para mal, consolidó el poder de estrella de Warren Beatty al tiempo que convirtió a Faye Dunaway en una estrella. También fue la película estadounidense más violenta jamás hecha cuando se estrenó, y las muertes de Bonnie y Clyde todavía tienen un golpe visceral ahora cada vez que se hace otro agujero de bala en los cuerpos de sus héroes.

Katharine Hepburn y Cary Grant en La crianza de un bebé

La crianza de un bebé (1938)

La comedia más loca, Criar al bebé pregunta ¿qué obtienes cuando combinas a Cary Grant, Katharine Hepburn y un leopardo llamado Baby? Felicidad cinematográfica. Con el oído legendario de Howard Hawks para el diálogo de ratatattat rápido de la pistola Tommy y una premisa agradablemente ligera sobre un paleontólogo estudioso y una debutante voluble que corre por Connecticut en busca de un fósil de dinosaurio que enterró el perro, esto es nada menos que la perfección.

Humphrey Bogart e Ingrid Bergman en Casablanca

Casablanca (1942)

Si solo vas a ver una película realizada antes de 1950, probablemente debería ser esta. Una obra maestra del sistema de Hollywood que funciona a toda máquina, todo es sobrenaturalmente perfecto en Casablanca . La dirección de Michael Curtiz está en su mejor momento, ya que aterriza todos los juegos de palabras ingeniosos y zinger en el guión de los hermanos Epstein; Claude Rains es en su forma más sardónica como el capitán francés Louis Renault moralmente flexible; Humphrey Bogart e Ingrid Bergman chisporrotean como los amantes desventurados que siempre tendrán París, pero nada más después de que su marido supuestamente muerto regrese de un campo de concentración nazi; y el patriotismo de las nacionalidades estadounidense y francesa asediadas por la amenaza del nazismo durante el apogeo de la Segunda Guerra Mundial se dispara.

Claro, la melancólica versión de Dooley Wilson de 'As Time Goes By' se convirtió en un estándar por una razón, pero es la escena en la que los actores franceses reales cantan 'La Marseillaise' mientras sus personajes están bajo la ocupación alemana lo que hará que quieras ponerte de pie y aplaudir.

Orson Welles en Citizen Kane

Ciudadano Kane (1941)

AFI llamó Ciudadano Kane la mejor película jamás realizada. Si bien podría no llegar a recibir tantos elogios, definitivamente es una de las imágenes más importantes e innovadoras jamás producidas. Rompiendo la forma estándar en que las películas de estudio se producían en masa, el escritor, director y actor Orson Welles (y el director de fotografía Gregg Toland, a quien Welles le dio la misma facturación) reinventó cómo se podían hacer las películas y cómo un director podía dejar un sello de autor. Con su cinematografía de enfoque profundo y su iluminación de sombras de alto contraste, Ciudadano Kane conjugó una nueva lengua vernácula visual en su sátira / derribo ligeramente velado de William Randolph Hearst y el periodismo amarillo. Es una historia estadounidense de corrupción y la muerte de los mejores planes. Uno puede identificarse hoy.

Virginia Cherrill y Charlie Chaplin en City Lights (1931)

Luces de la ciudad (1931)

Posiblemente la mejor comedia de Charlie Chaplin, Luces de la ciudad es sin duda un logro audaz teniendo en cuenta que salió en el '31. A pesar de que toda la industria se volvió loca por las películas habladas años después El cantante de jazz , Chaplin insistió en conservar su visión de una película muda más para su alter ego en pantalla, El vagabundo. Sin embargo, usó innovaciones en el sonido para escribir personalmente la partitura musical de su película por primera vez. El resultado es un romance lírico sobre el vagabundo que se enamora de una florista ciega (Virginia Cherrill) en la gran ciudad. Con viñetas poéticas de patinaje y soñar despierto, la película es supuestamente la comedia favorita de Orson Welles, Stanley Kubrick y Woody Allen.

Paul Newman en Cool Hand Luke

Mano fría Luke (1967)

Lo que tenemos aquí es la falta de comunicación. Eso es lo que al capitán de Strother Martin le gustaba opinar cada vez que Luke, un preso encadenado, de Paul Newman, mostraba insubordinación. Baste decir que el fracaso los atormentó a los dos hasta el amargo final de este provocador drama carcelario del 67 que subvierte el cliché estadounidense del rebelde solitario llevándolo a su extremo más patético e inevitable. En el camino, sin embargo, es divertido ver cómo se comen todos esos huevos duros.

Sala de guerra en Dr. Strangelove

Dr. Strangelove o: Cómo aprendí a dejar de preocuparme y amar la bomba (1964)

La sátira de la Guerra Fría de Stanley Kubrick puede que siga siendo la comedia más subversiva del sistema de estudios de Hollywood. Basado libremente en la novela seriamente mortal de Peter George. Alerta roja , Dr. Strangelove se burla de las pretensiones del Pentágono y las racionalizaciones de los think tanks para la guerra nuclear apenas dos años después de la Crisis de los Misiles en Cuba. Filmado en blanco y negro, para parecerse mejor a los dramas sombríos de los Oscar de su época, Kubrick presenta su farsa con una cara seria hasta que Peter Sellers (en uno de los tres roles) entra en la sala de guerra del presidente como un Sieg Heil-ing científico nazi que va a arrastrar al gobierno estadounidense a cuevas durante los próximos 50 años mientras las bombas caen sobre Moscú. Convierte el cinismo en una forma de arte y las nubes en forma de hongo en el abrazo de un amante.

Freaks (1932) dirigida por Tod Brownings

Monstruos (1932)

El clásico de terror de Tod Browning puede que no sea políticamente correcto según los estándares modernos, pero de todos modos hará que se te hiele la sangre. La película trata sobre una hermosa trapecista (Leila Hyams) que se casa con el líder del espectáculo secundario de su circo (Wallace Ford) por la herencia. Al principio, la abrazan los 'monstruos' deformados y discapacitados del espectáculo secundario. Pero después de conocer la verdad calculadora, vienen a buscarla cantando: 'Uno de nosotros'. El final todavía hará que los pelos de tu piel se ericen.

Scarlett O

Lo que el viento se llevó (1939)

David O. Selznick’s amplia adaptación tecnicolor de la novela de Margaret Mitchell mantendrá para siempre su estatus como la película más popular jamás producida. En serio, cuando se ajustó a la inflación, vendió más boletos que Vengadores Juego Final y El ascenso de Skywalker conjunto. Sin embargo, también está increíblemente anticuado con su descripción deshonesta de la mitología Antebellum South y la 'Causa Perdida' que pretende que la esclavitud no fue tan mala, y que el Sur se separó por razones nobles y no para mantener a los estadounidenses negros en una esclavitud horrible.

Es totalmente comprensible que no puedas ver esta película por esos motivos, pero como obra de arte cinematográfico sigue siendo una fábula fascinante contada con el pináculo de la producción de Hollywood de la década de 1930. Vivien Leigh es una leyenda por su interpretación atípica de una antiheroína profundamente defectuosa que sobrevive a la Guerra Civil y la Reconstrucción por todos los medios necesarios, y la forma en que la puntuación elegíaca de Max Steiner aumenta a su alrededor cuando Atlanta cae y debe abrirse paso entre miles de muertos y Los extras moribundos siguen siendo un testimonio del poder del cine, al igual que la ira bíblica del general de la Unión William Tecumseh Sherman cuando esa ciudad se consume en llamas.

Harold y Maude (1971)

Harold y Maude (1971)

La más poco convencional de las historias de amor Harold y Maude es la descarada comedia romántica de Hal Ashby sobre un joven (Bud Cort) que se enamora de un mucho mujer mayor (Ruth Gordon). Definitivamente una película que abrazó la contracultura de su época, Harold y Maude También ha envejecido muy bien como un romance dulcemente excéntrico que intenta provocar con sus 91 minutos de entrega inexpresiva.

King Kong en el Empire State Building

King Kong (1933)

Aún siendo la mejor película de 'monstruo gigante' jamás realizada, la película de los grandes simios de Merian C. Cooper aprovechó algo mítico (y problemáticamente primordial) en su visión de un gorila de los hilos de aventuras colonialistas del siglo XIX que escalan el pináculo literal del ingenio de principios del siglo XX cuando Kong ascendió al Empire State Building. Más que la película de aventuras definitiva de la Depresión, inspiró todo lo que vino después de Godzilla a Parque jurásico . También sigue en pie entre sus descendientes con un pseudo-romance de 'la bella y la bestia' entre los infames pulmones chirriantes de Kong y Fay Wray. A pesar de las connotaciones raciales, King Kong realmente es la octava maravilla del mundo.

La película que le valió a Sidney Poitier el Oscar al Mejor Actor, una novedad para un hombre de color. Lirios del campo es una parábola sobre un hombre llamado Homero que fue persuadido por unas monjas alemanas sorprendentemente deshonestas para que les construyera una capilla en Arizona. Poitier pasa de ser un manitas no remunerado a un aparente regalo de Dios (el título se cita del Sermón de la Montaña del Nuevo Testamento), pero es realmente su actuación la que aporta dimensionalidad a lo que de otro modo sería un arquetipo bien intencionado creado por hombres blancos. Una película progresista para los años de Kennedy, es Poitier quien mantiene su intensidad en la actualidad.

Howard Beale en la red

Red (1976)

La sátira inquietantemente profética del director Sidney Lumet y del guionista Paddy Chayefsky sobre la corporativización y corrupción de los medios es tan potente como siempre. Esta película posterior a Watergate predijo la amenaza de Fox News, el infoentretenimiento y la televisión de realidad décadas antes de su inicio. Y un testimonio de su legado es que el '¡Estoy loco como el infierno y no voy a soportarlo más!' El eslogan es pronunciado por Howard Beale (Peter Finch), un presentador de noticias que ha tenido un colapso mental y se ha vuelto loco. Su perorata, sin embargo, atrae a los estadounidenses marginados de la década de 1970 y luego su red le quita los colmillos y lo convierte en un lema vacío en una pegatina para el parachoques, tal como lo usan los líderes de opinión que hablan hasta el día de hoy.

... y ese es solo el primer acto de una película que culmina en que Beale se convierta en un televangelista (antes de que eso fuera una cosa) donde predica la palabra de sus amos corporativos hasta el día en que sus calificaciones bajan y posteriormente es ejecutado en la televisión en vivo por un golpe en las calificaciones.

Cary Grant en Alfred Hitchcock

Norte por noroeste (1959)

Alfred Hitchcock La emocionante travesura de espías fue pionera en su día, probablemente ayudó a inspirar el tono de las películas de James Bond que comenzaron unos años más tarde tanto como las novelas de Ian Fleming. Con su conocida trama sobre identidades erróneas y espionaje de mujeres fatales, norte por noroeste está impulsado por el ritmo frenético de sus secuencias de persecución a campo traviesa en las que Cary Grant debe estar a la altura de la ocasión de convertirse en un hombre misterioso internacional si espera salvar a la chica de un James Mason presumido mientras salta sobre las paredes rocosas de ¡Monte Rushmore!

Stanley Kubrick

Senderos de gloria (1957)

Antes de que hubiera 1917 , había Senderos de gloria . La revolucionaria película de Stanley Kubrick sobre la Primera Guerra Mundial sigue siendo un logro sorprendente con sus largas tomas de seguimiento a lo largo de la red de trincheras del frente occidental y el tortuoso infierno de los atrapados allí. Su cámara sigue a Kirk Douglas como el coronel Dax, un oficial al mando que debe defender a sus hombres que han sido acusados ​​de un acto de cobardía porque ignoraron las órdenes de atacar una posición enemiga en lo que seguramente habría sido una misión suicida. Una película contra la guerra antes de eso era algo común en Hollywood, Senderos de gloria sigue siendo una de las imágenes más viscerales sobre la Gran Guerra que se suponía iba a poner fin a todas las guerras.

James Dean en Rebelde sin causa (1955)

Rebelde sin causa (1955)

La segunda de las tres únicas películas de James Dean, Rebelde sin causa es probablemente su foto más famosa. Centrada en la naturaleza estridente de la 'juventud' durante la primera década, la generación de la Segunda Guerra Mundial tuvo que lidiar con el crecimiento de sus hijos, Rebelde sin causa es una película de Nicholas Ray con una reputación que yo diría que es un poco mayor que su mérito real. Con algunas actuaciones fantásticas e innovadoras de Dean y Natalie Wood (que tuvo un romance con Ray en la película a pesar de ser menor de edad), la película intentó encontrar una voz para la miseria inarticulada de llegar a la mayoría de edad y pedirle que se conforme. Sin embargo, este motivo se hizo mejor en películas que no necesariamente se veían a sí mismas como importantes con una 'I' mayúscula más adelante.

Gene Kelly en Singin

Cantando bajo la lluvia (1952)

Lo que yo diría es la mejor película musical jamás realizada , Cantando en la lluvia es como bailar a la luz de las estrellas. El resultado de la perfecta armonía entre la famosa unidad Arthur Freed de MGM para películas musicales, el incesante baile convertido en atletismo de Gene Kelly y el desenfadado encuadre del director Stanley Donen, es tan encantador como las fantasías de Hollywood. La esencia es que es una película sobre el advenimiento del sonido en la década de 1920 en Hollywood, donde una estrella de cine mayor (Kelly) se enamora de una aspirante a actriz (Debbie Reynolds), que solo necesita un papel destacado.

Conseguirla en ese momento se topa con travesuras, como si la obligaran a llamar a su coprotagonista analfabeto de la era del silencio (una Jean Hagen deliciosamente arreglada). Pero realmente es una excusa para revolcarse en tecnicolor tanto como lo hicieron los primeros talkies en la música, y para extraer las mejores canciones de Hollywood, incluida la coescrita por Arthur Freed, 'Singin’ in the Rain '. Solo que ahora la canción se convierte en un estándar de todos los tiempos, ya que Kelly la canta con un resfriado mientras salta por un backlot empapado.

John Wayne en Stagecoach (1939)

Diligencia (1939)

La película que dio a luz a una de las asociaciones de directores y estrellas más importantes de la historia del cine, Diligencia es el western que unió a John Ford con el entonces desconocido John Wayne. La intuición cinética de Ford sobre cómo incriminar a un hombre en un caballo en Monument Valley, así como la vulnerabilidad subestimada de Duke a pesar de ser 'un hombre grande', crearon muchas imágenes míticas, incluida la entrada más grande que la vida de Wayne aquí como Ringo Kid. Pero Wayne es solo una parte de un conjunto de extraños dispares, algunos que lucharon por la Unión y otros por la Confederación, atrapados juntos en un fatídico viaje en diligencia a través del país Apache. Te ha gustado Luciérnaga ? Eso fue Diligencia en el espacio.

Aventuras de Robin Hood Errol Flynn

Las aventuras de Robin Hood (1938)

Más de 80 años después y sigue siendo la mejor película de Robin Hood, Las aventuras de Robin Hood es el espadachín definitivo. Al reencontrar al director Michael Curtiz con su Capitán Blood estrellas Errol Flynn y Olivia de Havilland, Warner Bros. capturó un rayo en una botella con este evento tecnicolor. Al consolidar la imagen de Flynn como el Príncipe de los Ladrones y el Príncipe de los Ladrones con medias verdes mientras se balancea entre los árboles de Sherwood, este Robin Hood golpea todas las notas de gracia de las leyendas más populares mientras es un placer ver hacerlo. Además, ¿el uso de siluetas de sombras para la pelea de espadas final? Brillante.

Charlie Chaplin en El gran dictador

El gran dictador (1940)

Mi película favorita de Charlie Chaplin, El gran dictador es una película que el escritor-director-productor-estrella más tarde lamentó debido al conocimiento de la magnitud del Holocausto. Sea como fuere, su disposición a burlarse de Hitler y el fascismo en un momento en que muchos estadounidenses querían mantenerse al margen de la Segunda Guerra Mundial (y la mayoría de los estudios no querían molestar a nadie) hace El gran dictador un acto de valentía. Además, es realmente divertido cuando Hynkel de Chaplin, el dictador ficticio de una tierra llamada Tomania, baila amorosamente un vals con un globo con la forma del mundo que quiere conquistar. Y luego puede ser profundamente conmovedor, especialmente en estos días, cuando el otro papel de Chaplin como barbero judío se confunde con Hynkel y usa una plataforma global repentina para hablar a la cámara —una rareza para Chaplin— y denunciar a los “hombres antinaturales, hombres máquina con mentes de máquina y corazones de máquina '.

Humphrey Bogart en El final del halcón maltés

El halcón maltés (1941)

Podría decirse que es la primera película del movimiento del cine negro y la imagen que convirtió a Humphrey Bogart en una estrella y a John Huston en un director de primera categoría. El halcón maltés es un caldero definitivo sobre las oficinas de detectives empapadas de ginebra y las relaciones mortales. Está protagonizada por Bogie como Sam Spade, un gumshoe de San Francisco que se convierte en el sospechoso número uno después de que su socio no amado termina muerto en un callejón. No es que eso afecte a Sam en lo más mínimo, ni tampoco los ojos de la Sra. O'Shaughnessy de Mary Astor o la flagrante superficialidad de los personajes de Peter Lorre y Sydney Greenstreet esperando entre bastidores. Esta película disfruta de uno de los mejores finales de películas de todos los tiempos y siempre será el material del que están hechos los sueños.

Jimmy Stewart y Doris Day en El hombre que sabía demasiado

El hombre que sabía demasiado (1956)

Otro de los esfuerzos llenos de estrellas de Alfred Hitchcock de los años 50 centrado en la identidad errónea, este ve al hombre de familia Benjamin (Jimmy Stewart) arrojado al extremo más profundo del espionaje apuñalando por la espalda después de que un conocido se revela a sí mismo como un espía, susurrando información de vida o muerte. en los brazos de Ben con su último aliento. Esa información lleva a que el hijo de Benjamin y su esposa Josephine (Doris Day) sean secuestrados y que la pareja sea chantajeada en un complot que culmina con la noche más emocionante en la sinfonía que probablemente haya experimentado. Una vez más, uno de los esfuerzos más ligeros de Hitch, pero incluso cuando está siendo ligero sigue siendo un suspenso como el infierno.

Cary Grant Katharine Hepburn y Jimmy Stewart en La historia de Filadelfia

La historia de Filadelfia (1940)

Otra de las mejores comedias chifladas de todos los tiempos, George Cukor's La historia de Filadelfia volvió a combinar Cary Grant con Katharine Hepburn para obtener un efecto sublime. Ambientada en los aires enrarecidos de los sangre azul de la costa este, por lo que es un verdadero tramo para Hepburn, la película comienza con Dexter de Grant y Tracy Lord de Hepburn divorciados, pero aún en la vida del otro de esa manera ligeramente incestuosa que se ve en los clubes de campo al otro lado de la costa este. No es que al resto de su familia le importe: aman a Dex mucho más que al hombre con el que está a punto de casarse en la escalada social George Kittredge (John Howard). Sin embargo, esa boda será el evento de la temporada e incluso atrae al periodista de nariz dura Mike Connor (Jimmy Stewart) a la finca familiar durante el fin de semana. Se producen travesuras, grandes cantidades de alcohol e incidentes que levantan las cejas.

John Wayne en El final de los buscadores

Los buscadores (1956)

Como la mejor película de John Ford, Los buscadores fue su primer intento serio de tener en cuenta la intolerancia contra los indios americanos de sus películas anteriores. También es una epopeya arrolladora de venganza e identidad cultural que resuena hoy. También la mejor muestra del talento de John Wayne, la película está protagonizada por el duque como Ethan Edwards, un hijo de puta racista desagradable que acaba de llegar a casa después de luchar por la Confederación solo para ver a la familia texana de su hermano masacrada por los indios comanches. Bueno, todos excepto la pequeña de su hermano, Debbie.

Así es que Ethan y la mitad Cherokee Martin Pawley (Jeffrey Hunter), que era un hijo adoptivo de la familia, emprenden una búsqueda homérica para salvar a Debbie. Pero a medida que pasan los años y la adulta Debbie (Natalie Wood) se convierte en una mujer joven casada con uno de sus captores indios, lo que se convierte en una misión de venganza se convierte en algo más oscuro, ya que Ethan planea asesinar a su sobrina 'arruinada' y Martin persevera en salvarla de Ethan. En todo momento, Ford logra la fotografía más despiadadamente hermosa de Monument Valley jamás comprometida con el cine.

Humphrey Bogart en El tesoro de Sierra Madre

The Treasure of Sierra Madre (1948)

La película que presenta la mejor actuación de Humphrey Bogart, The Treasure of Sierra Madre inspirado Indiana Jones, solo que esta versión de Indy es un viejo bastardo mezquino. Su nombre es Frank C. Dobbs, y es un borracho acabado en México cuando se le ocurre la idea de que hay oro en esas colinas entre las montañas de la Sierra Madre. Así que él y otro aventurero estadounidense reclutan al antiguo buscador de Walter Huston para que los lleve a las colinas a extraer oro. Los problemas solo ocurren cuando lo encuentran, y Dobbs, en particular, comienza a evaluar el valor de los demás, y si pueden regresar a la ciudad de manera segura. También es el favorito personal del guionista y director John Huston.

Judy Garland en El mago de Oz

El mago de Oz (1939)

Otro clásico en el apogeo del apogeo de MGM, El mago de Oz es la obra maestra que transformó el giro de L. Frank Baum de la novela de fantasía estadounidense específica del siglo XX en un sueño eterno para todas las generaciones futuras. Con magníficas canciones en tecnicolor, fascinantes y un giro estrella de la adolescente Judy Garland, esta es una película en la que todos los padres continúan transmitiendo a sus hijos por una razón. Eso es tanto más milagroso cuando consideras que MGM casi corta 'Somewhere Over the Rainbow' porque pensaron que la canción era demasiado triste para los más pequeños.

Pero esto es solo una muestra de todas las películas clásicas de HBO Max. Por esa razón, a continuación hay una lista de muchos otros artistas de todos los tiempos que dejamos de lado, así como algunas obras maestras extranjeras de antaño en las que no debería dormir.

8 ½ (1963)

Noche de un día duro (1964)

Un americano en París (1951)

Ha nacido una estrella (1954)

Ladrones de bicicletas (1948)

Narciso negro (1947)

Sin aliento (1960)

Carnaval de las almas (1962)

Otoño de Cheyenne (1964)

Harry el sucio (1971)

Doctor Zhivago (1965)

Corresponsal extranjero (1940)

Gigante (1956)

Godzilla (1954)

Buscadores de oro de 1933 (1933)

Buscadores de oro de 1935 (1935)

Grandes esperanzas (1946)

Lolita (1962)

El señor de las moscas (1963)

Amor en la tarde (1972)

Tiempos modernos (1935)

Ahora, Voyager (1942)

De ratones y hombres (1939)

Oliver Twist (1948)

Érase una vez en el oeste (1968)

Pat y Mike (1952)

Picnic en Hanging Rock (1975)

Pigmalión (1938)

Rashomon (1950)

Roma, ciudad abierta (1946)

Siete samuráis (1956)

Los 47 Ronin (1941)

El séptimo sello (1958)

Esa mujer de Hamilton (1941)

Los 39 pasos (1935)

Los 400 golpes (1959)

La mancha (1958)

La fortaleza oculta (1959)

La dama desaparece (1938)

El juego más peligroso (1932)

La ciudad desnuda (1948)

La historia de la monja (1959)

Los zapatos rojos (1948)

El ladrón de Bagdad (1940)

El juicio de Juana de Arco (1962)

Los paraguas de Cherburgo (1964)

El grupo salvaje (1969)

Ser o no ser (1942)

Tom Jones (1963)

Mujer del año (1942)

Yojimbo (1961)